NOS CINEMAS - Devoradores de Estrelas

Por Rafael Morais

'Devoradores de Estrelas' chega aos cinemas carregando um fardo curioso: o de já ser considerado por muitos como o melhor filme do ano, até o momento. E olha que estamos apenas em março. Mais do que isso, ouso dizer que a obra já nasce como um “novo clássico” da ficção científica contemporânea. E, embora a comparação com 'Interestelar' diga mais sobre a ansiedade crítica do que sobre o filme em si, há aqui um frescor inegável, não pela grandiosidade cósmica, mas pela forma como encontra humanidade (e até humor) no insondável.

Baseado na obra de Andy Weir (Project Hail Mary), o longa abraça a ciência como linguagem narrativa. Física e astrofísica deixam de ser ornamento e passam a estruturar o drama. O que poderia soar hermético ganha leveza graças ao roteiro de Drew Goddard e, sobretudo, à montagem engenhosa, que transforma conceitos complexos em ritmo e fluidez. Há uma inteligência rara nesse processo: o filme simplifica sem subestimar. O roteiro pega na mão do espectador não para reduzi-lo, mas para guiá-lo por territórios estranhos à sua experiência, como quem traduz o desconhecido sem esvaziá-lo.

Grande parte desse equilíbrio passa por Ryan Gosling, que reafirma aqui por que é um dos nomes mais consistentes de sua geração. Ele sustenta o filme com uma naturalidade impressionante, transitando do drama existencial ao humor corporal, repleto de gags visuais, sem romper o elo emocional com o público. Seu protagonista é brilhante, mas hesitante; corajoso, mas atravessado por dúvidas. Observe como, diante de uma descoberta, seus olhos se acendem com entusiasmo infantil — apenas para, no instante seguinte, serem tomados por uma sombra de medo. O peso da responsabilidade o puxa de volta. Gosling entende que não há heroísmo puro aqui, apenas um homem em constante negociação consigo mesmo. E é nessa vulnerabilidade que sua atuação encontra força: ele não conduz apenas a narrativa, ele a humaniza.

Na direção, Phil Lord e Christopher Miller trazem da animação uma qualidade preciosa: a capacidade de dar vida ao que, em tese, não a possui. Objetos, interfaces e até formas de existência improváveis ganham presença, intenção, quase afeto. Não se trata de antropomorfismo explícito, mas de uma encenação que sugere pulsação. Como se o universo, ainda que indiferente, aceitasse dialogar por instantes.

Essa escolha reforça um dos eixos mais bonitos do filme: a cooperação entre espécies, a solidariedade que atravessa linguagem, forma e origem. Diante do desconhecido, o filme recusa o caminho fácil da ameaça e aposta na curiosidade, na escuta, no reconhecimento: o encontro com o outro como etapa fundamental para a construção do eu. "Torna-te o que és" (Friedrich Nietzsche) passa, inevitavelmente, pelo confronto com aquilo que não se compreende. O protagonista, lançado abruptamente ao chamado à aventura, não parte como herói, mas como alguém que ainda não se reconhece como tal. E talvez resida aí uma das ideias mais interessantes do filme: muitas vezes, os outros enxergam e acreditam no nosso potencial antes de nós mesmos. O heroísmo nasce menos de uma convicção interna e mais de uma circunstância que exige ação.

Esse deslocamento abre espaço para um humor que nunca soa deslocado. Pelo contrário, funciona como respiro e como afirmação de humanidade. Em meio ao vazio do espaço, esse espelho da solidão, rir é resistir. As referências pop pipocam na tela. Desde 'Rocky, Um Lutador' a '2001 Uma Odisseia no Espaço', passando por 'E.T - O Extraterrestre', indiretamente, na construção das relações, até pela utilização de músicas (e o karaokê com a canção de Harry Styles revela um momento inesperado para a personagem pragmática vivida por Sandra Hüller). Os alívios e reminiscências culturais surgem como âncoras afetivas, memórias que mantêm o personagem ligado a algo maior do que sua própria condição.

Visualmente, o filme equilibra o espetáculo com a introspecção. A vastidão do espaço contrasta com ambientes confinados, quase uterinos, onde o protagonista é forçado a confrontar não apenas problemas científicos, mas seus próprios limites. A solidão aqui não é apenas geográfica; é psíquica. É o tipo de isolamento que revela um mergulho involuntário (literalmente) no próprio eu, onde o sujeito precisa negociar com seus medos mais primários.

Mas é no encontro — improvável, delicado, profundamente simbólico — que o filme encontra sua maior força. A solidariedade que emerge não é ingênua: ela é construída, testada, escolhida. E, como toda escolha ética, envolve risco.

Assim, 'Devoradores de Estrelas' não precisa ser o “novo Interestelar”. Essa comparação, na verdade, o apequena. O que o filme faz, com segurança, é se afirmar como um sci-fi maduro (apesar do tom leve), comunicativo e emocionalmente generoso, pronto para ocupar seu próprio lugar entre os grandes do gênero. Um filme que entende que, no meio do infinito, o que nos sustenta não é apenas o conhecimento, mas a capacidade de compartilhar, confiar e reconhecer no outro uma extensão possível de nós mesmos. 

Porque, no fim, talvez devorar estrelas seja menos sobre sobreviver ao cosmos e mais sobre aprender a brilhar junto, mesmo quando tudo ao redor insiste em ser escuridão. A esperança há de arder como o Sol, mesmo quando não a vemos. E, no limite, é a fé nessa luz que nos sustenta. Por isso, em tempos como os nossos, esse é um filme necessário.

Springsteen: Salve-me do Desconhecido

 

Por Rafael Morais

'Springsteen: Salve-me do Desconhecido', dirigido por Scott Cooper, não é uma cinebiografia tradicional, e ainda bem. O filme recusa a tentação do espetáculo fácil, dos grandes palcos, das multidões em êxtase e das narrativas de ascensão gloriosa. Aqui, o foco está justamente no avesso disso tudo: o recolhimento, a dúvida, o trauma e o silêncio que antecedem a criação do álbum 'Nebraska' (1982), talvez o trabalho mais nu, dolorido e honesto de Bruce Springsteen.

O filme entende algo fundamental: antes de ser um astro, Springsteen é um homem tentando sobreviver à própria mente. O sucesso, longe de funcionar como redenção, surge como fator complicador. Crescer assusta. O reconhecimento amplia o vazio. Quanto maior o holofote, mais evidente fica aquilo que ainda não foi resolvido internamente. Cooper constrói essa tensão com delicadeza, apostando menos em diálogos explicativos e mais em gestos, pausas e momentos de solidão quase claustrofóbicos.

Jeremy Allen White entrega uma atuação sensível e contida, que dialoga diretamente com essa proposta. Seu Bruce fala pouco, observa muito e carrega no corpo uma inquietação permanente. Há algo de fragmentado em sua presença: como se o personagem estivesse sempre em fuga, não do mundo externo, mas de memórias que insistem em retornar. O passado, especialmente a relação conturbada com o pai, funciona como um fantasma recorrente. A figura paterna, rígida, silenciosa e emocionalmente inacessível, ecoa como matriz de muitos dos conflitos internos de Bruce. Há ali uma ferida primordial, uma busca incessante por aprovação que jamais veio — e que se transforma em melancolia, culpa e depressão.

O disco 'Nebraska' nasce desse lugar. Um álbum folk, cru, gravado de forma caseira, quase como um diário sonoro. O filme trata o processo criativo como algo íntimo, quase terapêutico. A música surge como autoterapia, como tentativa de organizar o caos interno. Cada canção carrega uma verdade que não se deixa domesticar. Não há filtros. Não há concessões fáceis. O artístico, aqui, entra em choque frontal com o comercial. De um lado, a gravadora querendo extrair ao máximo o artista: coletiva de imprensa, tour, entre outros protocolos padrões. De outro lado, um artista intimista em um momento de se reencontrar, se curar.  

Esse embate é um dos eixos centrais do filme. De um lado, a gravadora, que precisa, e quer, sugar de Bruce um produto vendável, expansivo, radiofônico. Do outro, um artista em crise, que entende que mentir artisticamente seria uma forma de adoecer ainda mais. Criar um álbum reservado em meio à engrenagem industrial soa quase como um ato de rebeldia silenciosa. E talvez seja. A busca pela própria verdade move o filme do início ao fim, mesmo quando isso significa se isolar, se afastar, se fechar.

Esse isolamento criativo, no entanto, não é romantizado. O filme deixa claro que ele também esconde um estado depressivo. Bruce precisa se conhecer melhor e praticar o autocuidado para conseguir seguir em frente. Não apenas como artista, mas como ser humano. Há cenas em que a solidão pesa, em que a introspecção e a falta de som gritam mais alto do que qualquer acorde. São momentos de introversão absoluta, necessários, mas perigosos. Criar é árduo, mas viver exige atravessar esse abismo.

Nesse percurso, a amizade com Jon Landau surge como ponto de ancoragem. Landau é mais do que empresário ou conselheiro artístico: é confidente, escuta, presença. Um fiel escudeiro que entende que, às vezes, o melhor a fazer é não empurrar, não cobrar, mas sustentar a personalidade difícil do outro. Essa relação confere humanidade ao filme e impede que Bruce se perca completamente dentro de si mesmo.

Há também um interessante paralelo, quase inevitável, com a persona de Bob Dylan retratada em 'Um Completo Desconhecido'. Assim como Dylan, Springsteen foge dos holofotes como o "diabo foge da cruz". Ambos entendem que a exposição excessiva pode corromper a essência do gesto criativo. A introspecção deixa de ser pose para representar uma necessidade vital.

Tecnicamente, Scott Cooper opta por uma direção sóbria, madura e respeitosa. Não há excessos estéticos nem arroubos estilísticos gratuitos. A câmera observa, acompanha, espera. O filme respira no tempo do personagem. A sensibilidade está na maneira como os espaços vazios, os quartos silenciosos e os momentos solitários dialogam com o estado emocional de Bruce. Tudo parece levemente deslocado, como se o mundo estivesse fora de sintonia — exatamente como ele se sente.

No fim, 'Springsteen: Salve-me do Desconhecido' é um filme sobre coragem. A coragem de olhar para dentro, de enfrentar traumas, de recusar caminhos fáceis e de escolher a verdade, ainda que ela doa. Um filme emocionante, sensível e maduro, que entende que a arte não nasce do aplauso, mas da ferida. E que, às vezes, salvar-se do desconhecido é aceitar que ele faz parte de quem somos.

OSCAR 2026 - O Agente Secreto

Por Rafael Morais

'O Agente Secreto', de Kleber Mendonça Filho, é um filme que escuta antes de falar. E quando fala, o faz em voz baixa. Não por delicadeza, mas por sobrevivência. Ambientado em um Brasil onde o Estado se traveste de aparelhagem opressora, onipresente e difusa, o longa constrói sua dramaturgia menos pela ação ostensiva e mais pela paranoia cotidiana, pela sensação de estar sempre sendo observado, seguido, escutado. 

Não é gratuito que os personagens sussurrem. O roteiro entende o silêncio como signo político. Em tempos de repressão, o silêncio não é ausência de som, mas estratégia. É linguagem cifrada. É autopreservação. Kleber transforma o ato de falar baixo em gesto dramático e em comentário histórico: quem vive sob vigilância aprende que a palavra pode ser uma sentença. O som (ou a falta dele) passa a operar como elemento narrativo tão importante quanto a imagem. O silêncio pesa. O silêncio acusa. O silêncio denuncia.

E é nesse Brasil abafado que Wagner Moura constrói uma atuação de contenção admirável. Seu personagem carrega no corpo o cansaço de quem já entendeu o funcionamento da máquina, mas ainda insiste em resistir a ela. O cara atua com os olhos, com a postura, com a respiração curta. Há algo de animal acuado em sua composição, alguém que fareja o perigo antes mesmo que ele se materialize. Sua presença em cena nunca busca protagonismo ruidoso; ela se infiltra, tal qual o próprio título sugere. É uma atuação que dialoga frontalmente com o clima do filme: tudo é ameaça, tudo é potencialmente armadilha.

A aparelhagem do Estado, aqui, não se apresenta apenas nas figuras oficiais (que parecem estar sempre de olho e cercando) ou nas instituições explícitas. Ela se manifesta nos detalhes, nos protocolos invisíveis, nos espaços controlados, na arquitetura que vigia. Kleber, como já é de praxe em sua filmografia, compreende o espaço como personagem. Prédios, salas, corredores e ruas carregam memória, mas também opressão. Nada é neutro. Cada ambiente parece guardar ecos do que já aconteceu ali — e do que ainda pode acontecer.

Nesse sentido, a direção de arte e a recriação de época são irrepreensíveis. Os objetos, os figurinos, as texturas e os espaços não estão ali para embelezar o passado, mas para evidenciar suas fissuras. A época recriada é suja, opaca, marcada por tons que remetem ao desgaste e ao abafamento. Tudo parece ligeiramente gasto, como se o tempo tivesse passado mal por ali. A opressão também envelhece os lugares. 

No entanto, a bela fotografia de Evgenia Alexandrova satura o Recife dos anos 70 e contrasta com a violência do subtexto: afinal, as cores vibrantes passam uma sensação de alegria e calor humano, de nostalgia. É "pecado" sentir saudade disso, ao passo que vivíamos momentos de terror? Contraponto sagaz de um roteiro intrincado auxiliado pelas lentes de Alexandrova.

E aí entra o saudosismo e o bairrismo tão característicos de Kleber Mendonça Filho, mas que aqui ganham contornos mais melancólicos. Há um apego claro aos espaços culturais, especialmente ao prédio do cinema, esse templo laico que, aos poucos, desaparece, seja fisicamente, seja simbolicamente. O cinema que some é também o Cinema que se esvai enquanto experiência coletiva, enquanto ritual urbano, enquanto lugar de encontro e reflexão. 

Não por acaso, Kleber (como um bom cinéfilo que é) povoa o filme de referências explícitas a clássicos como 'Tubarão, King Kong e A Profecia'. Não é citação gratuita: são filmes sobre medo, monstros, presságios e ameaças que emergem do invisível. O cineasta se inscreve, conscientemente, nessa tradição.

Esse amor pelo Cinema (com C maiúsculo) dialoga diretamente com o resgate da memória e da cultura que o filme propõe. O diretor não está interessado apenas em contar uma história de repressão política, mas em preservar fragmentos de um Brasil que insiste em desaparecer. Os causos, o folclore, as histórias miúdas, as conversas de esquina — tudo isso funciona como resistência simbólica. Enquanto o Estado tenta apagar, padronizar e silenciar, a cultura popular insiste em lembrar, narrar e reinventar.

O filme opera como uma espécie de retorno do reprimido. Aquilo que foi empurrado para debaixo do tapete histórico volta sob a forma de imagem, som e memória. O inconsciente coletivo brasileiro, marcado por ciclos de autoritarismo, encontra aqui uma tentativa de elaboração. Mas não de cura fácil. O longa, desta forma, não oferece catarse. Oferece incômodo.

Assim como em outros trabalhos do diretor, o passado não está morto. Ele infiltra o presente, contamina o agora, ameaça se repetir. E talvez por isso 'O Agente Secreto' soe tão atual. Os signos da repressão estão ali, reconhecíveis demais para serem apenas históricos. O filme olha para trás, mas com um olho perigosamente atento ao que nos cerca hoje.

No fim, Kleber Mendonça Filho reafirma seu Cinema de escuta, de memória e de resistência. Um Cinema que entende que lembrar é um ato político. Que preservar cultura é enfrentar o apagamento. E que, às vezes, falar baixo é a única forma de continuar falando.

OSCAR 2026 - Uma Batalha Após a Outra

Por Isa Barretto e Rafael Morais

'Uma Batalha Após a Outra' acompanha um ex-ativista político que, décadas após ter sido protagonista de um conflito ideológico intenso, se vê novamente envolvido em uma disputa que parece repetir os mesmos erros do passado. Cercado por antigos aliados e novos interlocutores igualmente desgastados, ele atravessa uma sucessão de confrontos morais, pessoais e simbólicos, em um cenário onde as causas perderam clareza e a luta tornou-se um hábito. 

Paul Thomas Anderson constrói um filme marcado pelo desgaste e pela repetição, usando o conflito não como um motor de progresso, mas como sintoma de uma sociedade presa a embates que nunca se resolvem. A direção é seca e recusa qualquer tentativa de heroização. Anderson observa seus personagens à distância, interessado menos em suas vitórias do que no impacto emocional de continuar lutando.

Leonardo DiCaprio (como Bob Ferguson) sustenta o filme com uma atuação contida e calculada. Seu personagem carrega um cansaço ideológico profundo de alguém que já acreditou, que já se engajou e agora se move por inércia. É uma atuação madura, que dialoga diretamente com o discurso do filme. 

E parafraseando o próprio título do longa, a tal da batalha após a outra representa a paternidade de Bob Ferguson. Se a revolução política radical não aconteceu e se transformou em uma ideologia distante, uma geração frustrada, o mesmo não aconteceu com o personagem quando ele se descobriu pai: nesta nova perspectiva, o cara teria que redirecionar toda a sua energia e se desdobrar para manter o rebento em segurança. Afinal, encarar a rebeldia efervescente de um adolescente pode ser tão desafiador quanto. Assim, entre "covardia" e porto-seguro, o pai faz o que deve fazer: proteger.

Já os coadjuvantes funcionam como extensões desse estado coletivo. Sean Penn aparece de forma mais agressiva, quase excessiva, representando o conflito levado ao limite da obsessão. Benicio del Toro, em registro oposto, aposta na ambiguidade, reforçando a atmosfera de desconfiança constante. Teyana Taylor traz uma presença física firme e pragmática, sugerindo uma geração menos idealista e mais adaptada à repetição das batalhas.

Visualmente, Anderson mantém os personagens confinados ali, em enquadramentos que reforçam a sensação de cerco. A montagem não só repete os padrões, como situações, criando um cansaço que não é falha, mas escolha estética.

A crítica social atravessa todo o filme com ironia amarga. Uma Batalha Após a Outra questiona a romantização da luta permanente e expõe como causas legítimas podem se esvaziar quando transformadas em rotina. O filme sugere que o maior impacto dessas batalhas intermináveis não é a mudança social, mas o desgaste psicológico de quem insiste em continuar.

Ao final, Anderson deixa a sensação incômoda de que persistir nem sempre significa avançar — e que algumas batalhas existem apenas para se repetir. É um filme denso, provocador e consciente do desconforto que provoca.

A Meia-Irmã Feia

 

Por Isa Barretto

A Meia-Irmã Feia não quer recontar Cinderela. Quer expor o custo de tentar caber nela.

Dirigido e roteirizado por Emilie Blichfeldt, o filme parte do conto dos Irmãos Grimm para deslocar completamente o ponto de vista. Aqui, a protagonista não é a escolhida, nem a salvável, nem a “boa o suficiente”. É aquela que sempre ficou à margem — não por falha moral, mas porque o sistema nunca previu um lugar possível para ela.

A narrativa acompanha uma das meias-irmãs de Cinderela, criada sob a pressão constante de se tornar desejável em um mundo onde beleza é acesso, valor e sobrevivência. Orientada por uma madrasta pragmática e cruel, ela passa por sucessivos processos de autocorreção física e comportamental na tentativa de competir por reconhecimento e ascensão social. O conto de fadas se transforma, então, em uma espiral de violência estética, ressentimento e apagamento do próprio corpo.

O grande acerto do filme está em tratar a feiura não como ausência de beleza, mas como falha social. Ser feia, nesse universo, significa não performar corretamente a feminilidade exigida. O corpo torna-se território de disciplina: ajustar, apertar, moldar, ferir. Não há vaidade aqui — há sobrevivência. A beleza não é desejo; é imposição.

As atuações sustentam essa leitura com rigor. Lea Myren, como a meia-irmã, entrega uma performance física e emocionalmente exaustiva, marcada por contenção, desconforto e um olhar que carrega frustração antes mesmo das palavras. Seu trabalho evita caricatura e constrói uma personagem que é, ao mesmo tempo, vítima e cúmplice de sua própria mutilação simbólica.

Ane Dahl Torp, como a madrasta, recusa o arquétipo da vilã histérica. Sua crueldade é racional, quase administrativa — e justamente por isso mais perturbadora. Ela não odeia; ela gerencia. Já Thea Sofie Loch Næss, como Cinderela, aparece menos como pessoa e mais como ideal: silenciosa, etérea, distante, funcionando como uma projeção inalcançável.

Blichfeldt conduz essa história sem qualquer romantização da dor. O horror corporal surge como consequência lógica de um sistema que normaliza a violência estética e a chama de escolha. Cada gesto de autocorreção levanta uma pergunta incômoda: até onde é razoável ir para ser aceita? — e, mais importante — quem se beneficia desse sacrifício?

Visualmente, o filme equilibra beleza e repulsa com precisão. A cinematografia trabalha texturas, closes e enquadramentos que aprisionam o corpo no quadro, reforçando a sensação de inadequação constante. O “bonito” nunca é gratuito; ele sempre cobra um preço.

O príncipe, figura central nos contos tradicionais, aqui é quase irrelevante. Ele não representa amor, mas validação social. O final feliz deixa de ser o encontro afetivo e passa a ser a aceitação pública. Não é sobre amar alguém — é sobre ser escolhida.

A Meia-Irmã Feia é um conto de fadas para adultos que não oferece catarse nem redenção. Ele fala de patriarcado internalizado, da competição feminina como mecanismo de controle e da violência travestida de mérito. Ao inverter o olhar, Blichfeldt não tenta salvar sua personagem. Ela faz algo mais potente: expõe um sistema em que, para algumas mulheres, não existe final feliz — apenas adaptação ou ruptura. E ambas doem.

Zootopia 2

Por Isa Barretto

'Zootopia 2' confirma algo que o primeiro filme já insinuava: nunca foi só uma animação para crianças.

A continuação amplia o universo criado em 2016 com segurança e inteligência. A cidade cresce, os conflitos amadurecem e a narrativa assume, sem disfarces, que conviver é mais complexo do que apenas dividir o mesmo espaço. Aqui, o mundo é maior — e as contradições também.

Nesta sequência, os detetives Judy Hopps e Nick Wilde se encontram na trilha sinuosa de um réptil misterioso que chega a Zootopia e vira a metrópole animal de cabeça para baixo. Para desvendar o caso, a dupla deve se infiltrar em novas e inesperadas partes da cidade, onde sua crescente parceria será testada como nunca.

Visualmente, o salto é evidente. A animação está ainda mais bonita, detalhada e viva. Há uma evolução gráfica clara no uso de texturas, iluminação e profundidade de campo, que faz Zootopia parecer mais orgânica, mais caótica e mais próxima das grandes cidades reais. Cada novo distrito carrega identidade própria, reforçando a ideia de que as diferenças não são apenas culturais, mas estruturais.

Essa sofisticação técnica caminha lado a lado com a criatividade. O filme é inventivo nas soluções visuais, nas situações e na forma como usa o humor para atravessar temas delicados. Nada soa gratuito. A imaginação está sempre a serviço da história — e nunca o contrário.

O roteiro é o grande motor do filme. Mais do que repetir a metáfora de predadores e presas, 'Zootopia 2' aprofunda a discussão sobre aceitação das diferenças, agora de maneira mais sutil e adulta. O preconceito não aparece apenas como medo explícito do outro, mas como julgamento silencioso, exclusão disfarçada de regra e decisões institucionais que afetam grupos inteiros. A mensagem é clara: igualdade não é tratar todos da mesma forma, e sim compreender contextos, limites e histórias distintas.

Judy e Nick seguem como o coração da narrativa. A relação entre os dois amadurece, ganha tensão e complexidade, refletindo o peso de quem virou símbolo em um sistema que ainda falha. Judy continua idealista, mas menos ingênua. Nick, mais consciente de seu lugar, equilibra ironia e sensibilidade. Juntos, eles representam o esforço constante — e cansativo — de tentar fazer o certo dentro de estruturas imperfeitas.

A trilha sonora merece destaque especial. O trabalho de Michael Giacchino é, mais uma vez, impecável. A música acompanha o crescimento emocional do filme, alternando leveza, tensão e emoção com precisão. Não é apenas fundo sonoro; é narrativa. A trilha ajuda a guiar o espectador pelos momentos de humor, investigação e conflito, reforçando o impacto de cada cena sem nunca sobrecarregar.

'Zootopia 2' é um filme que confia na inteligência do público. Ele diverte, emociona e provoca reflexão sem precisar didatizar. Ao falar de diferenças, não aponta soluções fáceis nem vilões absolutos. Prefere mostrar o desconforto de conviver, errar e tentar de novo.

No fim, a sensação é clara: a animação evoluiu, a história amadureceu e a mensagem ficou ainda mais necessária. 'Zootopia 2' prova que criatividade, técnica e um bom roteiro podem — e devem — caminhar juntos. É cinema de animação no seu melhor momento: bonito de ver, inteligente de ouvir e impossível de ignorar.

Bugonia

 

Por Isa Barretto

E se a paranoia não fosse exatamente um desvio, mas apenas um reflexo exagerado do mundo em que vivemos?

Em Bugonia, Yorgos Lanthimos retorna ao terreno que domina como poucos: o desconforto. Inspirado no filme sul-coreano Jigureul Jikyeora!, o diretor constrói uma narrativa que mistura absurdo, humor ácido e crítica social para expor uma sociedade cada vez mais desconectada da realidade — e perigosamente convencida de suas próprias certezas.

A história acompanha dois homens comuns que passam a acreditar que uma poderosa executiva de uma grande corporação não é humana, mas uma alienígena infiltrada com intenções de destruir o planeta. A partir dessa suspeita, o filme se desenvolve como um sequestro improvável, quase grotesco, que oscila entre o ridículo e o inquietante. O ponto, porém, nunca é confirmar a teoria, mas observar até onde essa lógica pode levar quando o medo e a desinformação assumem o controle.

É justamente nesse exagero que Bugonia encontra sua crítica mais contundente. A ideia de que alguém só poderia ser “de outro planeta” para agir com tamanha frieza escancara uma percepção social cada vez mais comum: a de que grandes indústrias e corporações passaram a tratar pessoas como números, recursos descartáveis ou danos colaterais aceitáveis. Em alguns momentos, o comportamento corporativo retratado no filme soa tão desumano que a hipótese extraterrestre parece, ironicamente, mais fácil de engolir.

Emma Stone, mais uma vez em sintonia com Lanthimos, sustenta essa ambiguidade com uma atuação precisa. Sua personagem representa esse poder distante, quase inatingível, que decide destinos sem contato real com quem é afetado por essas decisões. Jesse Plemons complementa o jogo ao encarnar a paranoia crescente, mostrando como narrativas simplistas encontram terreno fértil em contextos de desigualdade, medo e falta de diálogo.

A crítica social de Bugonia não é explícita nem didática. Lanthimos prefere o desconforto ao discurso direto. O filme fala de teorias conspiratórias, manipulação da informação, relações de poder e da banalização da crueldade institucional. Não para apontar vilões individuais, mas para questionar estruturas que normalizam a desumanização em nome de eficiência, lucro ou controle.

Visualmente, o diretor mantém sua estética fria e calculada, reforçando a sensação de distanciamento emocional. A trilha sonora e os enquadramentos criam um clima constante de tensão, flertando em alguns momentos com o terror psicológico — não pelo susto, mas pela percepção de que o absurdo apresentado não está tão distante da realidade.

Mais do que contar uma história, Bugonia funciona como um espelho distorcido do nosso tempo. Ao exagerar os comportamentos, o filme evidencia algo incômodo: talvez não seja preciso vir de outro planeta para agir de forma tão insensível. Basta ocupar uma posição de poder por tempo suficiente.

Lanthimos entrega mais uma obra provocadora, que incomoda, questiona e recusa respostas fáceis. Bugonia não é um filme confortável — e talvez exatamente por isso seja tão necessário.

Dica Netflix - Vivo ou Morto: Um Mistério Knives Out

Por Isa Barretto

Num filme em que todos parecem inteligentes demais, a pergunta não é apenas quem matou — mas quem está escondendo melhor suas intenções.

Em Vivo ou Morto: Um Mistério Knives Out, Rian Johnson retorna ao universo da franquia com um roteiro muito bem construído, que conhece profundamente as regras do gênero e sabe quando segui-las ou subvertê-las. O mistério está presente do início ao fim, mas o maior mérito do filme está na forma como ele conduz o espectador, oferecendo pistas com cuidado e criando a sensação constante de que algo está fora do lugar.

Na trama, Benoit Blanc é chamado para investigar uma morte cercada por circunstâncias suspeitas, reunindo em um mesmo ambiente um grupo de personagens influentes, articulados e cheios de segredos. Conforme a investigação avança, versões conflitantes se acumulam, alianças se mostram frágeis e cada novo depoimento adiciona mais camadas à história, deixando claro que ninguém ali revela tudo o que sabe.

Daniel Craig volta como Benoit Blanc em um registro já familiar, mas ainda eficiente. Seu detetive observa mais do que age, escuta com atenção e parece sempre um passo atrás — até o momento em que tudo começa a se encaixar. Essa postura permite que os outros personagens se revelem aos poucos, muitas vezes mais por vaidade do que por descuido.

O elenco de apoio sustenta bem o jogo proposto pelo roteiro. Cada personagem carrega uma camada de ambiguidade que alimenta o mistério e mantém a narrativa em movimento. Josh O’Connor, Glenn Close, Josh Brolin, Mila Kunis , Jeremy Renner e Kerry Washington transitam entre charme, desconfiança e oportunismo, compondo um conjunto em que ninguém é totalmente confiável.

Rian Johnson conduz a história com ritmo preciso. As revelações não surgem de forma abrupta, mas são construídas ao longo do caminho, alternando entre momentos de humor com sequências de tensão. Em alguns trechos, o filme flerta com o terror leve — escuros, silêncios prolongados e enquadramentos que criam desconforto — ampliando a sensação de ameaça sem abandonar o tom do mistério.

A influência dos clássicos do gênero é clara. Há ecos de Agatha Christie e da lógica dedutiva de Sherlock Holmes, mas tudo filtrado por uma abordagem contemporânea, mais irônica e visualmente mais dinâmica. Aqui, o espectador participa ativamente do jogo, sendo conduzido por pistas que parecem óbvias, mas nem sempre são.

Mais do que um simples quebra-cabeça, Vivo ou Morto é uma narrativa sobre versões, interesses e escolhas. A Netflix aposta em um filme que respeita o gênero, atualiza sua linguagem e entrega entretenimento inteligente, capaz de prender a atenção até o último ato.

No fim, o mistério se resolve. Mas o que permanece é a experiência de acompanhar um roteiro bem amarrado, que sabe dosar humor, tensão e suspense, e que confirma a força desse universo criado por Rian Johnson.

Dica Netflix - Jay Kelly

 

Por Isa Barretto

O que sobra quando o sonho se realiza?Essa é a pergunta que atravessa Jay Kelly, novo filme de Noah Baumbach. A narrativa acompanha um ator consagrado em viagem pela Europa ao lado de sua equipe e de seu empresário. À primeira vista, tudo parece em ordem: a carreira está consolidada, o reconhecimento existe e os compromissos se acumulam. Com o avanço da história, no entanto, fica evidente que esse percurso também deixou vazios difíceis de ignorar.

George Clooney constrói um personagem que já não precisa provar nada ao mundo, mas que começa a sentir o peso das decisões que o trouxeram até ali. A fama, distante de qualquer glamour, aparece como rotina — hotéis, reuniões e deslocamentos constantes — criando a sensação de movimento contínuo, mas pouca conexão real com o que, de fato, importa.

Nesse cenário, o empresário vivido por Adam Sandler surge como um contraponto essencial. É ele quem mantém tudo funcionando, organiza agendas e sustenta a lógica da indústria. Sua presença deixa claro que muitas escolhas não são feitas por falta de afeto, mas por prioridade. E, nesse processo, relações acabam sendo adiadas, ajustadas ou reduzidas para que o projeto maior continue avançando.

Essas ausências ganham densidade com os personagens de Laura Dern e Billy Crudup, que trazem à tona vínculos interrompidos e diálogos carregados de não ditos. Baumbach evita confrontos diretos e aposta em conversas contidas, pausas prolongadas e silêncios que dizem mais do que longas explicações. É nesses espaços que o filme encontra sua força.

A frase de Sylvia Plath parece ecoar ao longo da narrativa:

“É uma responsabilidade infernal ser você mesmo; é muito mais fácil ser outra pessoa ou ninguém.”

Sustentar uma identidade construída ao longo dos anos exige esforço — especialmente quando ela já não reflete, por completo, quem se é no presente.

Com um ritmo calmo e observacional, Jay Kelly expõe as consequências das escolhas feitas e confia ao espectador a tarefa de tirar suas próprias conclusões. Ao final, permanece a constatação de que toda decisão abre caminhos — e fecha outros — e que compreender o custo dessas escolhas, muitas vezes, acontece tarde demais.

Dica Netflix - Frankenstein

 

Por Isa Barretto

Há quem diga que somos, em grande parte, o resultado daquilo que recebemos — ou deixamos de receber — daqueles que vieram antes de nós.

E a ausência, quando repetida por gerações, cria um ciclo quase automático: quem foi tratado com frieza tende a reproduzir a mesma distância, e quando finalmente tem a chance de ser diferente, muitas vezes falha.

Prefere repetir o padrão conhecido, mesmo que doloroso — e é essa espinha dorsal que atravessa essa releitura de Frankenstein.

Guillermo del Toro sempre enxergou os monstros de um jeito diferente.

Em vez de se deter nas formas e nas deformidades, ele busca o que existe por trás delas — a humanidade, o medo e o afeto escondido sob a pele.

Em Frankenstein, ele retoma esse olhar e transforma o clássico de Mary Shelley em algo mais íntimo: uma história sobre o impulso de criar e o preço de fazê-lo.

Victor Frankenstein, interpretado por Oscar Isaac, não é o cientista enlouquecido de outras versões. É um homem que cria para preencher o vazio, tentando dar sentido à própria solidão. Sua busca pela perfeição se confunde com a incapacidade de aceitar seus próprios limites.

Jacob Elordi, como a Criatura, é o reflexo desse erro. Ele nasce sem culpa, mas é condenado pelo abandono. É um corpo forte com uma alma frágil — e cada olhar carrega o peso de quem foi feito, mas nunca amado.

Entre os dois se constrói a verdadeira tragédia: o criador foge daquilo que fez, e o ser criado busca entender por que existe. Del Toro filma essa relação com calma, deixando o desconforto crescer em silêncio. Não existe vilão, apenas a dor de reconhecer-se no outro.

A fotografia de Dan Laustsen reforça essa ideia. Os tons frios e as sombras longas criam distância, não medo. O visual gótico é elegante, quase contemplativo. Tudo parece girar em torno da culpa — de quem cria e de quem foi criado.

O elenco é preciso. Oscar Isaac entrega um Victor contido, dividido entre o orgulho e o arrependimento. Elordi transforma a Criatura em um ser vulnerável e humano. Mia Goth e Christoph Waltz completam o elenco com atuações que equilibram razão e emoção.

Del Toro preserva o espírito do romance de Shelley, mas fala com a voz do presente.

Se no século XIX o homem tentava ser Deus através da ciência, hoje ele tenta fazer o mesmo através do controle.

O resultado é um filme que não busca sustos, mas reflexão.

Frankenstein é menos sobre monstros e mais sobre o que fazemos com o que criamos.

É sobre o medo de amar o que não compreendemos — e o risco de negar o que se parece demais conosco.

E talvez entender que o verdadeiro monstro pode nao ser quem nasce... mas sim quem abandona.

Dica Amazon Prime Video - Eden

 

Por Isa Barretto

Há algo de profundamente humano na tentativa de começar de novo — de apagar o passado e reescrever o futuro em outro lugar.

Em Éden, Ron Howard nos conduz às Ilhas Galápagos, onde um grupo de europeus decide fundar uma sociedade perfeita, longe da guerra e da corrupção do mundo moderno. Mas a natureza, impassível, apenas observa enquanto o velho roteiro da humanidade se repete: a criação, o conflito e a queda.

Com Jude Law, Ana de Armas, Vanessa Kirby, Sydney Sweeney e Daniel Brühl, o filme mergulha na tensão entre o ideal e o instinto. O paraíso logo revela sua face mais cruel — a de um sonho que apodrece quando o ego toma o lugar de Deus. Howard filma com precisão e paciência, permitindo que o calor, o silêncio e o mar se tornem personagens de um drama que é tanto físico quanto espiritual.

O receio aqui não vem da selva, mas do humano. Cada personagem carrega o próprio Éden dentro de si: um desejo, uma culpa, uma fuga. Quando esses mundos colidem, o isolamento se torna espelho e a utopia, penitência. O filme nos lembra que o inferno não é o lugar para onde somos lançados, mas aquele que construímos quando acreditamos poder controlar o paraíso.

Éden revela que toda utopia nasce condenada — não pela natureza, mas pelo homem.

Porque o verdadeiro fracasso não está em sonhar com o paraíso, mas em acreditar que podemos habitá-lo sem antes encarar o que há de mais imperfeito em nós.

Howard nos mostra que não é o isolamento que destrói — é o espelho que ele cria. E diante dele, o homem descobre que o paraíso nunca foi perdido: foi apenas corrompido por dentro.

A Longa Marcha: Caminhe ou Morra (2025)

Por Isa Barretto

Em um país afogado na desesperança, cinquenta adolescentes são reunidos para um evento que mistura espetáculo, obediência e morte: caminhar sem parar, sob um ritmo imposto, até que reste apenas um sobrevivente.

Dirigido por Francis Lawrence e baseado no romance “A Longa Marcha”, de Stephen King (publicado sob o pseudônimo Richard Bachman), o filme apresenta Cooper Hoffman como Ray Garraty e David Jonsson como Peter McVries — dois jovens obrigados a transformar a esperança em resistência.

A metáfora é implacável: todos estamos numa estrada cujo fim conhecemos, mas fingimos ignorar. A juventude nos dá a ilusão da eternidade — até que a realidade impõe seu ritmo. No filme, a escolha de participar parece voluntária, mas logo se revela uma armadilha social, um pacto silencioso com o controle e o desespero. O terror não está nas sombras, mas no passo seguinte. Está em ver o outro cair e ainda assim continuar. O horror aqui é humano, cotidiano, palpável: o som ritmado de pés cansados e o silêncio que cresce onde antes havia voz.

Paradoxalmente, é nesse chão duro da marcha que florescem as amizades mais puras. Quando tudo conspira para o individualismo, o que resiste é o olhar cúmplice de quem caminha ao lado. O gesto de dividir a água, o fôlego compartilhado, o toque que impede a queda — pequenos atos que viram resistência. A amizade, neste contexto, não é prêmio: é a própria sobrevivência.

Lawrence conduz a narrativa com precisão cirúrgica, equilibrando frieza e compaixão. Ele sabe que não é preciso monstros para o medo nascer; basta mostrar o humano diante do limite. Hoffman entrega uma atuação marcante — o corpo que cede, mas o olhar que insiste. Já Jonsson interpreta o despertar amargo de quem entende cedo demais que vencer pode significar perder o que mais importa.

Mais do que uma distopia, A Longa Marcha é uma parábola sobre a vida moderna: a pressão de “vencer”, o espetáculo da dor como entretenimento, o luto silencioso que carregamos sem nomear. Ray caminha por um pai ausente; Peter, por um ideal que desmorona. Ambos representam uma geração exausta, empurrada a continuar mesmo sem saber por quê.

No fim, é sobre como a vida pode ser dura. Às vezes, cruel. E às vezes, ser apenas indiferente.

O terror não está no destino, mas no caminho — na persistência, na solidão, na coragem de dar mais um passo. Porque ali o troféu é ilusório; o que fica mesmo é o rastro deixado pelos que tombaram e a dignidade silenciosa de quem ainda avança.

Hereditário

Por Isa Barreto

Poucos filmes recentes conseguiram provocar tanto desconforto quanto Hereditário. Dirigido por Ari Aster em sua estreia no cinema, o longa transforma o luto em um ritual de horror, onde o medo não vem de fantasmas, mas da herança invisível que carregamos — nossos traumas, nossas culpas, nossas linhagens de dor.

A história acompanha Annie (Toni Collette), uma artista que constrói miniaturas de sua própria vida, como se tentar controlar o caos pudesse torná-lo suportável. Ao lado do marido Steve (Gabriel Byrne) e dos filhos Peter (Alex Wolff) e Charlie (Milly Shapiro), ela tenta lidar com a morte da mãe — uma mulher enigmática, que deixou mais do que lembranças. O que começa como drama familiar logo se transforma em algo muito mais sombrio: uma herança literal e espiritual que consome cada um dos personagens.

A câmera de Aster observa, mais do que acompanha. Mantém distância nos momentos em que o espectador quer se aproximar, e se aproxima quando o desconforto é insuportável. Os planos fixos e longos — muitas vezes dentro da própria casa — criam uma sensação de aprisionamento, como se estivéssemos dentro das miniaturas de Annie, incapazes de escapar. A fotografia é fria, quase clínica, e a iluminação parece vir de dentro do próprio pesadelo.

Há um terror que se constrói no silêncio: o barulho seco de uma língua estalando, a respiração contida, o vazio entre uma fala e outra. O filme entende que o verdadeiro horror não está no susto, mas na espera. Cada gesto da câmera é uma provocação — ela convida o espectador a olhar de novo, a questionar o que é real e o que é apenas reflexo de um trauma coletivo.

Toni Collette entrega uma atuação devastadora, que vai da contenção ao desespero absoluto. Seu corpo é o campo de batalha do luto — tenso, torto, em colapso. Alex Wolff, como Peter, traduz a culpa e a herança familiar de forma visceral, fazendo do silêncio uma forma de grito. Milly Shapiro, com seu olhar inquietante, encarna o estranhamento da infância, e Gabriel Byrne é o retrato da impotência diante do caos.

Hereditário é sobre o medo que herdamos sem perceber. Sobre como o amor pode se deformar quando misturado à perda. Sobre famílias que se desintegram tentando se manter inteiras. O filme não busca apenas assustar — ele deseja permanecer. E permanece.

O calafrio que fica não é o do sobrenatural, mas o da constatação de que às vezes o mal não vem de fora: ele é passado de geração em geração, como um segredo guardado em silêncio.

Vencedor absoluto da Lista “Especial Noites de Medo” — porque depois de Hereditário, o verdadeiro terror é olhar para dentro.

Especial Halloween

NOSSA LISTA DE HALLOWEEN – Especial Noites de Medo

Por Isa Barretto e Rafael Morais

O cinema de terror é uma viagem pela nossa própria imaginação — aquilo que tememos, negamos ou fingimos não ver. Ele fala de sombras e de silêncios, mas também do que há de mais humano: o medo do desconhecido.

Nesta lista, reuni histórias que desafiam a razão e exploram diferentes formas de horror — psicológico, sobrenatural, simbólico e visceral. São filmes que marcaram época e redefiniram o gênero, cada um à sua maneira.

Prepare a pipoca (e o coração). As luzes vão se apagar.

1) Psicose (1960)

De Alfred Hitchcock, Psicose é o marco do suspense moderno. O diretor transforma o cotidiano em ameaça e cria uma das cenas mais icônicas do cinema — o chuveiro nunca mais seria o mesmo. A tensão cresce em torno de Norman Bates e seu motel isolado, onde o terror nasce não de monstros, mas da mente humana.

2) O Exorcista (1973)

William Friedkin fez história ao adaptar o livro de William Peter Blatty. O Exorcista é um retrato do mal em sua forma mais pura, envolvendo fé, desespero e sacrifício. As atuações intensas e os efeitos práticos realistas tornaram o filme uma experiência quase física — e até hoje ele provoca o mesmo arrepio.

3) A Profecia (1976)

Em épocas de exorcismos e bebês de Rosemary, 'A Profecia' chega com uma proposta já concedida: o anticristo nasceu e está entre nós. Marcado como o filme mais agourento de todos tempos, 'The Omen' vai além e se sobressai superando a superstição e as tragédias dos bastidores. Uma obra indispensável para os fãs do horror.

4) Halloween (1978)

John Carpenter cria o arquétipo do assassino mascarado com Halloween. Michael Myers é o rosto do mal que retorna sem motivo, apenas para matar. A trilha minimalista e a câmera subjetiva dão ritmo ao terror, provando que o medo pode estar logo atrás da porta.

5) Alien, o 8º Passageiro (1979)

Ridley Scott funde ficção científica e terror claustrofóbico num filme revolucionário. A tripulação da nave Nostromo é caçada por uma criatura perfeita, nascida do pesadelo e da biologia. Alien é o medo do desconhecido em estado puro — e a força feminina de Ripley tornou-se um ícone de resistência.

6) O Silêncio dos Inocentes (1991)

Jonathan Demme constrói um suspense psicológico brilhante, conduzido por diálogos afiados e pela presença hipnótica de Anthony Hopkins como Hannibal Lecter. Mais que um thriller, o filme explora o poder e o medo, a fragilidade e a inteligência em um jogo de caça e caçador.

7) A Bruxa de Blair (1999)

Com aparência de documentário, A Bruxa de Blair reinventou o gênero de terror com baixo orçamento e alta tensão. O que não é mostrado é o que mais assusta. A câmera tremida e a ausência de respostas criam uma sensação de realidade inquietante, que marcou toda uma geração.

8) Os Outros (2001)

Alejandro Amenábar transforma o suspense gótico em uma história de luto e revelações. Nicole Kidman entrega uma atuação delicada e intensa como uma mãe presa entre a fé e o medo. Os Outros é uma lição sobre atmosfera — o susto está menos no que se vê e mais no que se imagina.

9) Hereditário (2018)

Ari Aster traz o terror familiar ao extremo. Hereditário é um mergulho na dor, no luto e na herança do mal. O desconforto cresce cena a cena, até explodir em puro desespero. Toni Collette entrega uma das atuações mais intensas do gênero, transformando o trauma em horror.

10) Speak No Evil (2022)

Um filme que incomoda do inicio ao fim. Niilista, a obra nos coloca em posição indefesa diante da maldade e crueldade do próximo. Aqui, aprendemos da pior forma que ser permissivo demais pode ser muito arriscado. Perder a própria essência é apenas o começo do caos.

O medo também é uma forma de conhecer a nós mesmos.

Boo!

Feliz Halloween!

Dica Netflix - Steve

 

Por Isa Barretto

Há filmes que se constroem como histórias, e há outros que se constroem como experiências. Steve pertence a essa segunda categoria. A câmera não apenas observa — ela respira dentro da escola, tropeça junto com os personagens e revela o retrato de um sistema em colapso. São poucas horas dentro daquele espaço, mas o tempo parece expandir-se, como se a rotina tivesse um peso próprio, sufocante e quase físico.

Baseado no livro Shy, de Max Porter, e dirigido por Tim Mielants, o filme acompanha um único dia na vida de Steve, interpretado com uma intensidade extremamente contida por Cillian Murphy. Diretor de uma escola para adolescentes marginalizados, ele tenta manter o controle de um ambiente que já não responde à autoridade. Entre reuniões, crises e silêncios prolongados, o que desaba diante da câmera não é apenas a instituição — é principalmente o homem que a sustenta.

A narrativa se desenvolve em tempo quase real, e é isso que dá ao filme sua força: o espectador sente o avanço das horas como se estivesse preso dentro daquela escola. A fotografia crua, os planos próximos e o som que mistura vozes e ruídos transformam o cotidiano em tensão pura. A direção não antecipa o caos com música ou truques visuais; ela o insinua. A câmera se aproxima, hesita, muda de foco — e essa inquietação faz o público pressentir o descontrole antes mesmo que ele aconteça.

Cillian Murphy carrega o filme com uma atuação que parece estar sempre ali: à beira do colapso. Cada olhar é uma tentativa de permanecer, cada gesto revela o desgaste de quem acredita demais. Há algo profundamente humano na forma como ele tenta manter a compostura enquanto o mundo à sua volta se fragmenta. Murphy não apenas atua — ele desaba em silêncio, e é nesse silêncio que o filme encontra sua alma.

A direção de Mielants evita qualquer embelezamento: corredores gastos, luz fria, conversas atravessadas, vozes que se sobrepõem. Tudo parece natural, mas nada é casual. Cada enquadramento é pensado para capturar o peso invisível da rotina, o limite da paciência, o ponto em que o humano se dissolve no dever.

O roteiro de Max Porter recusa a ilusão da redenção. Não há vilões nem heróis, apenas pessoas cansadas tentando sobreviver dentro de um sistema que exige demais e devolve pouco. A escola funciona como metáfora da própria vida adulta: um espaço onde todos fingem ter o controle, quando na verdade ninguém tem.

No fim, Steve não quer consolar — quer confrontar. Ele nos faz sentir o que é segurar o mundo com as mãos trêmulas e continuar mesmo quando não há mais força. É um filme que emociona sem melodrama, que provoca sem discurso. Ao encarar o esgotamento como matéria humana, ele pergunta — com honestidade e dor — quem cuida de quem cuida.

Steve é menos um drama e mais um espelho. Um retrato de todos aqueles que seguem, mesmo quando já não sabem mais o por quê.

Invocação do Mal 4 - O Último Ritual

Por Isa Barretto

Encerrar uma franquia como Invocação do Mal é mais do que concluir uma história — é dar fim a um ciclo que ajudou a redefinir o terror contemporâneo.  

Dirigido por Michael Chaves, o quarto capítulo marca a despedida de Ed e Lorraine Warren, vividos com a habitual intensidade por Patrick Wilson e Vera Farmiga. Desta vez, o mal não habita apenas as casas de estranhos: ele invade o lar dos próprios investigadores, transformando o último caso em um confronto íntimo, onde fé e fragilidade se misturam.

O roteiro revisita os elementos que consagraram a franquia — o embate entre ciência e espiritualidade, o peso psicológico das investigações e o vínculo inabalável entre o casal. Mas há algo diferente aqui: o medo é mais humano, quase doméstico. Os Warren, que dedicaram a vida a salvar famílias assoladas por forças invisíveis, agora precisam lutar pela sua própria filha. O terror, que antes era missão, torna-se herança.

Michael Chaves demonstra segurança na condução. Ele troca o susto fácil pela tensão construída com precisão técnica — explorando o som, o enquadramento e o silêncio como recursos narrativos. A fotografia aposta em contrastes marcados: o claro-escuro traduz o limite entre o divino e o profano, enquanto a trilha sonora opera como uma extensão da angústia, sustentando a sensação de que algo maior se aproxima.

Ainda que previsível em estrutura, 'Invocação do Mal 4' é eficiente em propósito. O filme entende que o encerramento de uma saga não precisa surpreender, mas honrar o caminho percorrido. E faz isso com respeito — tanto à mitologia criada quanto ao público que acompanhou essa história por mais de uma década.

No fim, o que permanece não é o susto, mas o legado. O casal que passou a vida enfrentando o mal para proteger os outros agora luta para proteger o próprio sangue. E nessa inversão, o filme encontra sua força simbólica: a de mostrar que o amor — mesmo cercado de sombras — ainda é a arma mais poderosa contra o que não se pode compreender.

 

Na Netflix - CARAMELO

Por Isa Barretto

Há filmes que emocionam sem precisar de grandes gestos — Caramelo é um deles. Dirigido por Diego Freitas e protagonizado por Rafael Vitti, o longa encontra beleza no simples: um homem, um cachorro e o poder silencioso da convivência. O filme não tenta arrancar lágrimas; prefere tocar o espectador com leveza, mostrando que, às vezes, o afeto mais transformador nasce da presença discreta de quem apenas fica.

Pedro (Rafael Vitti) é um jovem chef que vive em ritmo acelerado, focado em chegar ao topo da carreira. Tudo muda quando um diagnóstico inesperado interrompe seus planos e o obriga a olhar a vida de outro jeito. Nesse momento, surge Caramelo, o vira-lata interpretado por Amendoim, que entra em cena não como um salvador, mas como um companheiro capaz de devolver sentido ao cotidiano. Entre os dois, nasce uma parceria verdadeira — sem heroísmo, apenas cumplicidade.

O roteiro, assinado por Diego Freitas, Rod Azevedo e Vitor Brandt, escolhe a sensibilidade em vez do drama. Não há exageros, apenas humanidade. Um passeio, uma refeição dividida, um olhar silencioso — tudo ganha peso emocional sem precisar de explicações. A direção de Freitas é segura e calorosa, conduzindo o espectador com o mesmo cuidado com que filma a amizade entre homem e cão.

A fotografia em tons suaves e a trilha sonora envolvente criam uma atmosfera acolhedora. O elenco de apoio — Carolina Ferraz, Arianne Botelho, Noemia Oliveira e Ademara Barros — reforça o tom íntimo da história, sem tirar o foco da relação central. Mesmo previsível em alguns momentos, Caramelo se destaca pela sinceridade com que trata temas como medo, recomeço, gratidão e amor — esse amor que não precisa curar, apenas estar presente.

No fim, o que fica é a paz de um encontro simples e verdadeiro. Caramelo é um filme que não promete muito — e justamente por isso entrega tanto. Ele chega de mansinho, como um amigo que se senta ao nosso lado, e nos lembra que, às vezes, viver é só isso: seguir em frente, com carinho, um passo de cada vez.

​Luta de Classes

 Por Isa Barretto 

*com Spoiler

​"Luta de Classes", de Spike Lee, nos pega de surpresa desde a primeira cena. Com uma trilha sonora majestosa e imagens aéreas de uma Nova York cintilante, o filme parece prometer uma celebração à altura dos grandes clássicos de Hollywood. Mas o que se revela é uma ironia afiada. Por trás do espetáculo, Lee nos convida a uma crítica profunda, usando a própria indústria da música e do entretenimento como palco para expor contradições sociais, dilemas morais e as tensões raciais que moldam a sociedade americana.

​É nesse universo que somos apresentados a David King, interpretado por um impecável Denzel Washington. King é um magnata da música, um homem que construiu seu império capitalizando a cultura negra. Sua vida de luxo e poder vira de ponta-cabeça quando o filho de seu motorista é sequestrado por engano, confundido com seu próprio herdeiro. A partir daí, King se vê encurralado por um dilema que nem todo o seu dinheiro pode resolver: pagar um resgate milionário por um garoto que não é seu filho, ou proteger sua fortuna e viver com o peso de sua omissão.

​A genialidade de Lee está em pegar a clássica história de "Céu e Inferno", de Akira Kurosawa, e recriá-la na realidade da indústria musical dos Estados Unidos. Ele não simplesmente transpõe a trama, ele a enriquece com camadas de racismo estrutural e desigualdade social. O diretor usa a câmera para nos forçar a sentir o dilema junto com o protagonista. A repetição de cenas de diferentes ângulos transforma a escolha de King em uma obsessão para o espectador, como se a culpa fosse inescapável. É uma escolha formal que traduz visualmente o peso das decisões e nos coloca no centro da consciência do personagem.

​A trilha sonora do filme também merece destaque, funcionando como um verdadeiro comentário político. O rap, como voz das ruas, traz a resistência e a crítica, enquanto o soul e o jazz servem como ecos da tradição musical negra que foi apropriada pela indústria. 

​No epicentro de tudo isso, Denzel Washington entrega uma performance de precisão cirúrgica. Sua força não está em grandes gestos, mas em detalhes sutis: um olhar hesitante, um silêncio que diz mais que mil palavras, um corpo que treme sob o peso da escolha. Ele constrói um David King complexo, humano demais para ser simplesmente odiado, mas incômodo demais para ser admirado. É essa atuação que sustenta a complexidade moral do filme.

​No final das contas, Spike Lee nos lembra que a verdadeira luta não é apenas a do personagem contra o sequestrador. A cidade continua a brilhar, a música continua a tocar, mas o dilema de King se projeta sobre nós. O diretor, com maestria, nos força a encarar os abismos que a sociedade insiste em ignorar, mostrando que, por trás do brilho e do espetáculo, a batalha por uma sociedade mais justa continua.