NOS CINEMAS - Batman Vs Superman: A Origem da Justiça

Por Rafael Morais

Sinceramente não consigo entender o que os fãs estavam esperando desse “Batman Vs Superman: A Origem da Justiça”. Vale lembrar que os trailers já deduravam quase tudo, inclusive o vilão “Apocalipse” e sua formação. Ou seria deformação? Se antes se ouvia que a DC/Warner precisava conectar os universos, urgentemente, e amarrar tudo, assim como a sua rival Marvel/Disney está fazendo com sucesso. Agora, a reclamação é no sentido de que esse crossover foi realizado de forma abrupta, arremessado ao espectador, em que pese os arrastados 153 minutos de projeção. A indústria pede, há procura por parte do público, logo, a demanda virá. Assim, a missão deste filme era árdua: dar continuidade ao mediano “Man of Steel”, apresentar a “Liga” (como o próprio subtítulo aponta), levantar uma grana absurda na bilheteria para viabilizar as sequências e ainda funcionar enquanto obra cinematográfica. Ufa! Em algum desses quesitos o longa iria falhar. 

Neste sentido, o diretor Zach Snyder (que também está a cargo de “A Liga da Justiça”) surge tão deslumbrado com a presença dos dois grandes heróis da DC – inclusive o cineasta já se declarou fã dos quadrinhos – que se entrega ao fan service, e ainda assim, consegue ser odiado pelos seus próprios pares, ou seja, os aficionados por HQ’s. Contudo, não tenho respaldo algum para entender o motivo dessa controvérsia, já que não consumo esta mídia. Enquanto cinema, “Batman Vs Superman” entrega o que prometia: ação, computação gráfica, crossover, mais CGI’s, porrada e bomba! Honesto com o seu público, a fita nunca deixa de homenagear àqueles que curtem e entendem do gênero.  E isso não é divertido? Claro que é! Ver os seus heróis de infância se engalfinhando e medindo forças é algo que sempre fez parte do nosso imaginário, desde a meninice, e de qualquer um que curte cultura pop de maneira geral. Então não sejamos hipócritas ou adultos demais para desmerecer este filme no que ele foi melhor: causar empolgação na pancadaria e ser fiel a um cânone já pré-estabelecido, que para mim pouco importava, repito. 

Quanto à premissa em si, o longa se passa após os eventos de “O Homem de Aço” (também dirigido por Snyder, o atual guru da DC/Warner nas telonas) quando o Superman divide a opinião da população mundial. Enquanto muitos contam com ele como herói e principal salvador, vários outros não concordam com sua permanência no planeta. Bruce Wayne é contrário aos ideias de Clark Kent e decide usar sua força de Batman para enfrentá-lo. Enquanto os dois brigam, porém, uma nova ameaça ganha força. E é no desenvolvimento deste argumento, através de um inchado roteiro de Chris Terrio e David S. Goyer, que somos submetidos a quase 3 horas de duração na tentativa de se cumprir o que a produção prometia. Acertando na química entre Kent/Superman e Bruce/Batman, desde o início, quando coloca o ponto de vista de cada um dos lados: “dia versus noite”, “esperança versus amargura”, “luz contra sombras”, “Coca versus Pepsi rsrs”, enfim, dualidades desse tipo. As atuações somam ao roteiro num primeiro ato bem pé no chão e elegante do ponto de vista técnico. Os usos de “slow motion”, marca registrada do cineasta, não incomodam aqui, pelo contrário, auxiliam a linguagem narrativa no momento em que evidenciam o sofrimento do pequeno Bruce na já famosa sequência do assassinato de seus pais, belamente representada pelas lentes “visionárias” (sim, estou sendo irônico rsrs) de Snyder. 

Pausa neste momento para quem curte “The Walking Dead”: reparou que o casal Wayne é formado pelos atores da série que encarnam o novo vilão “Negan” e a “Maggie”, esposa do Glenn?! Desculpe, nada a ver, mas não me contive em compartilhar essa percepção rsrs. 

No entanto, voltando, se por um lado houve acerto e harmonia com Cavill e Affleck, por outro, não posso dizer o mesmo do Alfred vivido pelo experiente Jeremy Irons, uma vez que não obteve destaque, lhe faltando tempo de tela suficiente para demonstrar sua interação com Bruce, encobrindo o talento do ator e o peso de sua escalação para o elenco. Não menos desacertado é o tom do longa. Tentando ser forçadamente engraçado em algumas ocasiões, em uma medida desesperada de se assemelhar com os filmes de heróis que fazem sucesso atualmente, “O Vigilante de Gotham contra o Salvador de Metrópolis” reserva cenas constrangedoras de Laurence Fishburne tentando fazer graça como editor chefe do Planeta Diário. Nenhuma piada funciona, o que nos faz ter saudades da atuação hilária de Jk Simmons, praticamente no mesmo papel, em Homem-Aranha, por exemplo. E antes que me julguem como “marvelete”, reforço o que já escrevi acima: não sou leitor de quadrinhos e o que levo em consideração é a qualidade do filme, não importando se baseado em literatura de cordel ou qualquer outra. 

E sobre o filme, tenho a dizer que diverte bastante ao abraçar a fantasia, o surreal, por meio de seus 2º e 3º atos, totalmente “despirocados”, o que é bom para o gênero, já que a fase racional de Christopher Nolan já passou, correto? Se bem que me lembrei do diretor na sequência da perseguição de carros, parecida com a que tem em “The Dark Knight”. Só parecida mesmo, pois Nolan capotou de verdade um caminhão para dar verossimilhança à cena, além de não picotar os frames, coisa que Snyder pesou a mão na computação gráfica, obtendo um resultado artificial, somado aos cortes alucinantes no estilo Michael Bay. Porém, já nas cenas de luta, é notório que Snyder se sai melhor e proporciona uma dinâmica de golpes envolventes, com coreografias bem elaboradas, o que lembra a ótima série de games “Batman Arkhan” e a franquia “The Raid”, no instante em que o morcegão quebra os ossos de seus adversários arremessando-os contra o chão ou em contato com algum móvel que guarnece o cenário. Animal! 

Contando com uma performance polêmica de Jesse Eisenberg como Lex Luthor, o ator não acha o tom de seu personagem, variando entre ameaçador chantagista, quase um Coringa para o Superman, através de uma atuação extremamente over, repleta de maneirismos e tiques, para pouco depois conferir um ar blasé, como se nada tivesse acontecendo. 

Visando não se delongar mais nessa resenha, assim como a edição que poderia ter cortado 30 minutos da película tranquilamente - passeando por cenas com Kevin Costner e o universo onírico particular de Bruce Wayne – “Batman Vs Superman” empolga na interação dos personagens, inclusive com a figura da Mulher Maravilha, na beleza de Gal Gadot, tudo orquestrado pela inspirada trilha sonora do mestre Hans Zimmer, que entende a diferença das nuances no clímax, tanto é que adota uma composição melódica peculiar com a aparição da amazona, remetendo ao cartunesco/aventuresco nos acordes escolhidos. 

Desta forma, apresento-lhes uma fórmula, inversamente proporcional, para não sair decepcionado desta, ou de qualquer outra sessão: expectativa no chão = satisfação nas alturas. Ah, e outra: não levemos tão a sério filmes de super-heróis que têm o simples e primordial propósito de entreter, ainda mais quando se consegue este objetivo, que é o caso.  

*Avaliação: 4,5 pipocas = 3,5 rapaduras = nota 8,0

NOS CINEMAS: Zootopia

Por Rafael Morais

A Disney continua inspirada após os sucessos de “Frozen” e “Operação Big Hero”. “Zootopia” significa mais um acerto na filmografia do estúdio, quando aposta em temas relevantes como a complexidade da natureza, através de metáforas com a realidade humana. Muito do mérito se deve ao talento do produtor executivo John Lasseter, responsável por obras consagradas como a trilogia “Toy Story”, por exemplo. 

Partindo de um subtexto que grita ensinamentos de autoajuda (do tipo que Paulo Coelho se sentiria em casa, não só pela temática, mas, principalmente pelo seu sobrenome rsrsrs), a animação foge do lugar comum durante o desenvolvimento de seus atos, sobretudo no 2º, demonstrando a sagacidade do roteiro escrito a quatro mãos por Byron Howard e Jared Bush, no que pese o epílogo querer se entregar ao trivial. 

A trama gira em torno de Judy Hopps (na voz irreconhecível de Monica Iozzi): uma carismática coelhinha advinda de uma fazenda isolada, filha de agricultores, que possui uma extensa família, como já era de se esperar. E o painel com o número de habitantes, que só aumenta, desta cidadezinha dos coelhos, evidencia o tom acertado do humor. Mas Judy tem sonhos maiores, em contraponto ao seu tamanho: pretende se mudar para a metrópole, denominada Zootopia, onde todas as espécies de animais convivem em harmonia, na intenção de se tornar a primeira coelha policial. Lá, a protagonista passa a enfrentar o preconceito e as manipulações dos outros animais, mas conta com a ajuda inesperada da raposa Nick Wilde (voz de Rodrigo Lombardi), conhecida por suas malandragens infracionais. A inesperada dupla se dedica à busca de uma lontra desaparecida, descobrindo, pouco a pouco, uma conspiração que afeta toda a cidade. 

Assim, uma típica heroína, altruísta e dedicada se vê às voltas com um anti-herói, egoísta ao extremo: e a química entre esses improváveis personagens acontece. Utopia, no dicionário, é a ideia de civilização ideal, fantástica, imaginária. E como o próprio nome do filme já diz, o espectador é apresentado a um ideal, não demorando a surgir o conflito: alguns animais estão sumindo, principalmente mamíferos (e os humanos são o que mesmo?), atrelado a um descontrole que aflora o extinto mais primitivo adormecido. Referências e críticas à nossa sociedade (“bem-vindo à selva urbana”, diz o cartaz americano), seja pelo prisma social, político ou comportamental, estão estampadas, reservando momentos hilários como a representação do DETRAN, rendendo uma das melhores sequências de comédia do longa. Confesso que tive uma crise de risos tamanha, capaz de me tirar do filme por alguns minutos, ocasião em que limpei os óculos 3D e me recompus, como um adulto que sou, ou penso que sou rsrsrs. 

E por falar nisso, o filme brinca com os estereótipos até não poder mais, passando mensagens de otimismo, ao passo que desincentiva o preconceito. Abordagens sobre o nocivo bullying surgem contemporâneas e dialogam com o novel público. Tudo ajudado por uma linda fotografia que transporta a plateia para aquele mundo fantástico, por meio do uso inteligente das cores: se temos um primeiro ato entregue ao colorido, ao lúdico, na apresentação da cidade e seus adoráveis moradores; em um segundo momento, durante a investigação, o universo ganha ares de uma fita policial, já que o filme é banhado por uma paleta sombria, remetendo ao submundo, ocasião em que somos apresentados a personagens marginais. 

Neste sentido, a animação ganha fôlego ao fugir das convenções do gênero, entregando um clima quase noir ao piscar para o espectador mais velho: sim, esse filme é para você também! O mistério por trás da investigação é bem arquitetado, auxiliado pela montagem dinâmica, que explora os cortes de maneira orgânica, deixando o público na ponta da cadeira dado o clima de suspense empregado. Contando com um design de produção engenhoso, tecnicamente temos uma produção extremamente criativa ao ponto de criar a engenharia da cidade adaptada para cada espécie: o meio de transporte dos hamster’s então, nem se fala. 

Dirigido com inventividade por Byron Howard e Rich Moore, “Zootopia” não consegue manter o nível do extraordinário segundo ato até o fim, quando cai em um desfecho piegas (e o discurso da coelhinha “mastiga” tudo que foi visto durante sua trajetória), além de soar corrido, sendo facilmente resolvido, já que o sumiço dos bichos parecia complexo demais para ser solucionado de forma tão simplória. Somado a isso, temos um personagem pouco explorado, o comparsa da raposa Nick, que faz falta em vários momentos, onde se espera, desde já, que seja mais utilizado em uma provável sequência. 

Entretanto, felizmente, Zootopia supera essas pequenas adversidades. Os seus realizadores alegram os corações cinéfilos ao fazerem referências do naipe de “O Poderoso Chefão” e “Breaking Bad”. Homenagens que entregam de onde vem tamanho bom gosto.

*Avaliação: 4,5 pipocas + 4,0 rapaduras = nota 8,5

NOS CINEMAS: A Bruxa

Por Rafael Morais

"Um filme que exala malignidade". Essa frase de um amigo (obrigado, Ismael) resume bem a obra em questão. Mergulhado em uma atmosfera macabra - ajudada pela fotografia sombria através da paleta dessaturada - o longa narra a "via-crúcis" de uma família cristã, em meados do século XVII, que busca um novo lar após ser expulsa, sem maiores explicações, da colônia onde residia. Com isso, a nova morada escolhida fica à margem de uma tenebrosa floresta, que se torna ainda mais assustadora com o repentino sumiço do caçula, o bebê Samuel. 

A tensão se instaura de forma crescente e o mal é quase palpável, tudo retratado por sugestivos enquadramentos que valorizam a floresta, quase como uma entidade, dando vida ao cenário por meio de ameaçadores arbustos uivantes. No que pese o primeiro ato ser um pouco arrastado, o mesmo acaba funcionando como preparação para o espectador se ambientar, paulatinamente, à intensidade dos demais atos. 

Não menos espetacular, o elenco demonstra toda a sua força em atuações marcantes, capazes de conferir complexidade e tridimensionalidade durante o estudo de personagens. Assim, temas como religiosidade e fé são postos à prova, refletindo em cada membro da família de maneira distinta, mas não menos intensa. Se o patriarca William (Ralph Ineson) é um fiel fervoroso, fundamentalista, não demora a ser tentado dentro de suas fraquezas. 

E nessa toada, Thomasin (a espetacular Taylor-Joy), a filha adolescente (mais velha) do casal é quem sofre as maiores tentações, uma vez que é acusada de bruxaria pelos seus próprios pares, por atitudes inerentes à sua idade que remete à descoberta da sexualidade e do mundo novo. Ajudando a criar os seus irmãos mais novos: os sinistros gêmeos, bem como o pré-adolescente Caleb (o formidável Harvey Scrimshaw, que rouba a cena), Thomasin surge como uma moça, quase mulher, repreendida pelos seus genitores que a enxergam apenas como doméstica. Ainda sobre a prole, Caleb guarda carisma e reserva uma das melhores sequências do filme, entregando uma performance impressionante. 

Tecnicamente primoroso, o longa é permeado por uma instigante trilha sonora de Mark Korven, capaz de acentuar o ambiente nefasto diante de acordes dissonantes, variando entre cordas graves e agudas, auxiliando na construção do clímax. Neste quesito, Korven também é consciente no emprego do silêncio ao se abdicar da trilha, nos momentos adequados, por vezes se utilizando de sons diegéticos para compor uma cena, sobretudo as mais tensas, evitando, assim, "mastigar" o que está sendo visto. Igualmente exuberante, o design de produção capricha na composição do universo macabro mediante figurinos minuciosamente costurados a mão, que retratam bem os costumes da época, especialmente na figura da mulher oprimida. Repare, por exemplo, a catarse da jovem protagonista no ápice final, em que a vestimenta se torna peça essencial na linguagem narrativa. As vestes caídas, que simbolizam as “amarras”, personificam a “liberdade” diante da nova realidade imposta. 

Escrito e dirigido com maestria pelo estreante Robert Eggers, "A Bruxa" pode ser interpretado como uma fábula de terror, bebendo na fonte de referências clássicas de contos infantis como: "Chapeuzinho Vermelho" (citações a lobos e capuzes encarnados pipocam na tela); "João e Maria" (aquele casebre com uma chaminé fumegante e a inversão na tentação: se antes era o doce que seduzia as crianças, aqui a sexualidade vence o garoto, em vias da puberdade, hipnotizado por um decote de encher os olhos); passando por "Alice no país das maravilhas", quando deturpa a figura do coelho como iniciador do universo maligno que está por vir. 

Recheado de simbolismos, como a maçã expelida por Caleb, podendo ser encarada tanto como uma ligação bíblica, alegoria do pecado; quanto à outra história infantil: como não se lembrar da bruxa que envenenou a princesa através desta fruta? Sim, o filme é um misto acertado de alusões desconstruídas em prol da sugestão do medo, ao invés de explicitá-lo, que foge às convenções do gênero, principalmente daquele terror de blockbuster, apostando num público alvo que flerta mais com o psicológico do que propriamente com o gore. Por isso, não espere sustos gratuitos ou clichês enlatados, pois estamos falando de uma obra que se não valorizada agora, será um clássico cultuado em um futuro próximo.

*Avaliação: 5 pipocas + 5 rapaduras = nota 10